El protagonista de la nueva película de Marvel, 'Loki', ha resultado ser de género fluido, según reveló una imagen que aparece en un avance del filme, que está a punto de estrenarse en la plataforma Disney +.

Al inicio del video difundido en redes sociales por Marvel Studios se muestra una hoja del expediente del personaje en la que constan varios datos de Loki Laufeyson. Uno de ellos no pasó desapercibido: en la sección que indica su sexo, se señala que es "fluido".

Si bien la revelación provocó sorpresa entre los fanáticos, lo cierto es que esta descripción de género en realidad estaría acorde a las características del llamado Dios del engaño. Cabe recordar que Loki tiene la capacidad de transformarse en hombre o en mujer, o incluso adoptar la forma de un animal.

Muchos usuarios se alegraron de que el personaje haya sido descrito de esa manera, señalando que el supervillano podría sentirse identificado con más de un género a la vez.

"Cualquiera que se queje de esto no tiene ni idea de mitología nórdica. Ser de género fluido es una de las cosas por las que Loki sería conocido", comentó otro internauta.

Hubo también quien especuló que el objetivo era resaltar una de las versiones de Loki, entre ellas, una femenina que podría jugar un papel importante en la película que se estrena este miércoles.

Fuente: https://actualidad.rt.com/viral/394363-supervillano-marverl-loki-genero-fluido

EE.UU.- Bobby Holland Hanton, el doble de acción del actor australiano Chris Hemswort, reveló que ya no puede seguir el ritmo del aumento de peso del actor, quien pretende convertirse, en palabras de Hanton, “el Thor más grande que jamás ha sido”.

Hanton, de 33 años, quien actualmente graba la película “Thor: Love and Thunder” en Australia con Hemsworth, admitió que siente presión a medida que la estrella gana músculo y que está cansado de comer siete veces al día para tratar de mantener el tamaño del actor.

Así lo compartió en conversación con el programa de radio matutino de Australia “Fitzy & Wippa” donde agregó que Hemsworth pudo haber impresionado a los fanáticos con su transformación corporal para la próxima película de Marvel, sin embargo, añadió que fue un proceso agotador detrás de bambalinas.

“Cada dos horas estamos comiendo. Se convirtió en una tarea. No disfruto comer cada dos horas”, declaró en referencia a su régimen.

Agregó que “Todos dicen, ‘Wow, míralo a él y su tamaño’. Y yo digo como sí, genial, pero ahora tengo que ponerme de ese tamaño también. Le escribo un mensaje de texto y le digo: ‘Muchas gracias amigo. ¡Esto va a ser aún más difícil ahora!'”.

Hanton, quien creció en Portsmouth en el Reino Unido, también ha sido el doble de actores como Henry Cavill, Ryan Reynolds, Channing Tatum y Jake Gyllenhaal. Sus créditos cinematográficos incluyen Mission Impossible: Fallout, Quantum of Solace y Star Wars: Episode VII –– The Force Awakens.

https://elnuevodiario.com.do/el-doble-de-chris-hemsworth-revela-que-ya-no-puede-seguir-el-ritmo-del-aumento-de-peso-del-actor/

El artista trabajó, además, en el doblaje de varias películas como 'Scary Movie 3', 'Los Ángeles de Charlie al límite' y 'Matrix'.

El actor de doblaje y vocalista mexicano Ricardo Silva, conocido por interpretar la primera canción de apertura del clásico animé japonés 'Dragon Ball Z', falleció el pasado domingo a los 67 años de edad en el hospital donde se hallaba ingresado por complicaciones por covid-19.

Su delicado estado de salud fue confirmado el pasado 4 de febrero en un mensaje publicado por los familiares del artista a través de su cuenta personal en Twitter.

"Confirmamos que está hospitalizado pero estable. No era nuestra intención que se enteraran de esa manera, pues la familia está lidiando con todo lo que conlleva; por esa razón les pedimos a todos, de la manera más atenta, que respeten este momento", reza el comunicado.

Y añade: "Para Ricardo lo más importante son sus amigos, así que está haciendo todo por recuperarse pronto para seguir compartiendo con ustedes su música".

Fuente: https://actualidad.rt.com/actualidad/382839-morir-covid-ricardo-silva-dragon-ball

Al servicio de la memoria histórica y la denuncia social, la cineasta peruana Melina León retrata lacras como el desamparo indígena y el machismo en su obra prima "Canción sin nombre", que acaba de llegar a la parrilla de Netflix en América Latina y pugna para ganarse un sitio en los premios Óscar 2021.

La película narra la tragedia de Georgina, una mujer ayacuchana que cae en las redes de una organización criminal que le roba a su hija recién nacida durante los turbulentos años ochenta en Lima y, desesperada, recurre a un joven periodista, Pedro, quien se ocupa de la investigación.

Detrás de ese drama, según explicó León en una entrevista con Efe, "hay un estado fallido" y "una sociedad que falla en reconocerse" por dar la espalda "a la mayoría de la población", en especial a las mujeres indígenas, algo "estructural" en la sociedad peruana, que aún "no llegó a superar" las "taras coloniales".

"Canción sin nombre" se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes en 2019, siendo la primera cinta peruana dirigida por una mujer seleccionada en dicho festival. Desde entonces, ha participado en más de 100 certámenes a nivel mundial y logrado más de 40 reconocimientos.

P: La película, recién lanzada en Netflix, está entre los largometrajes peruanos que compiten por ser candidatas a la categoría Mejor Película Extranjera de los premios Óscar.

R: La precandidatura a los Óscar la veníamos soñando desde que estrenamos en Cannes. Siempre había el sueño de cerrar el recorrido representando Perú oficialmente. Y que tu país te encomiende esa representación es muy emocionante.

P: La pandemia frustró el estreno de la película en las salas de cine.

R: Estaba programado para abril y justamente en marzo se cerró todo, así que tuvimos que cancelar el evento más emocionante que teníamos planeado en Villa María del Triunfo, que es el barrio donde nació nuestra actriz Pamela Mendoza Arpi.

P: Igual que Pamela, que interpreta el papel protagonista de Georgina, la mayoría de los actores de la película no son profesionales. Son de los humildes distritos de Lima Sur, donde se realizó el casting. ¿Por qué?

R: El norte de la película era tener honestidad en el discurso y creo que eso partía de tener personajes que uno sienta que son reales, que uno ve en la calle y cree que están pasando por esa situación. Si queremos hacer un retrato de una comunidad marginada, mejor buscar entre los marginados. Y mejor para mi incluso si no eran profesionales porque yo me siento muy libre trabajando con actores que son amateurs, que nunca han tenido ninguna experiencia, porque empiezan limpiamente, sin egos.

P: La historia se inspira en las investigaciones periodísticas de tu padre sobre los niños robados en Perú y hace un retrato de clase y denuncia social de lacras como el machismo y el abuso a los indígenas.

R: Creo que es la denuncia del horror de un Estado. No solo es la denuncia de las mafias porque, detrás de la tragedia que da inicio a este drama, hay un Estado fallido, que es el Estado peruano. Y no solo un Estado fallido, también una sociedad que falla en reconocerse, en hablar de sí misma, que no nos da voz a las mujeres, que vive de espaldas a la mayoría de la población: los mestizos, los indígenas, los descendientes de indígenas, los andinos. Hoy sigue habiendo todo eso, creo que es estructural y tiene mucho que ver con la Colonia, tiene mucho que ver con una República fallida, que en muchos casos llegó a ser incluso más cruel. Tiene mucho de eso, de muchas taras coloniales que no llegamos a superar.

P: Y ¿por qué el título "Canción sin nombre"?

R: Fue idea de un escritor de San Luis (Perú) y responde un poco a esa necesidad de expresar en el título la ambivalencia que tiene la película, porque tiene ambos componentes, amor y violencia.

Es la canción de amor al niño que viene, el canto de cuna, pero también expresa que se queda sin nombre, ese amor que se queda sin entregar, y un poco la condición de todas esas personas anónimas, que son invisibilizadas.

P: Poco diálogo, partes en quechua, fotografía en blanco y negro e imagen en cuatro tercios. ¿Por qué optásteis por ese formato?

R: Nos parecía apropiado utilizar todas las formas que tuviéramos a nuestro alcance para llevar al espectador a otro mundo y ese mundo era el mundo de los ochenta y también el mundo que pasa por el filtro de nuestro recuerdo, de nuestro dolor. Y en ese recuerdo interviene el blanco y el negro porque las fotografías de esa época eran en blanco y negro todavía; interviene el 4:3 porque los televisores eran todavía en 4:3.

Aunque el 4:3, además de llevarnos al formato de los televisores ochenteros, también era una actitud porque desde el punto de vista de Georgina y Pedro hay una sensación que, nosotros (directora y fotógrafo) compartíamos, de haber estado en un lugar donde no había futuro. ¿Qué es el futuro sin un horizonte, una gama de posibilidades donde uno pudiera crecer, donde uno pudiera proyectarse? Aquella era una época sin horizonte, donde la ventana hasta el mundo era pequeña y más bien de terror. Los ochenta fueron una década de horror en el Perú.

P: Tanto la directora como la protagonista de la película son mujeres. ¿El cine en Perú sigue siendo un territorio predominantemente masculino?

R: Sí, y cuando yo estaba comenzando era mucho peor, no solo en el cine sino en la vida. Nosotras crecimos de una manera en la que mirábamos hacia arriba y eran solamente hombres los que estaban atrás de nosotras. La gran mayoría eran cineastas hombres y hombres muy blancos, que habían vivido una experiencia muy diferente a la mía, por ejemplo. Hemos tenido que construir un poco a tientas, viendo como directoras de otros países iban surgiendo en el tiempo.

P: Imagino que está ya trabajando en un nuevo largometraje.

R: Sí, soñamos con grabarlo en el Cusco y que sea una historia con una protagonista mujer también, una chica de unos 12-13 años, una etapa interesante de la vida para explorar.

Fuente: https://listindiario.com/entretenimiento/2021/02/08/656062/un-drama-en-netflix-denuncia-taras-coloniales-que-peru-no-llego-a-superar

Las amigas neoyorkinas de la serie de la década de los noventa “Sex and the city” están de vuelta. HBO Max, la plataforma de WarnerMedia, anunció una nueva temporada de 10 episodios.

Sin embargo, para esta nueva entrega, 17 años después de su último capítulo, no serán cuatro, sino tres las actrices protagonistas, ya que Kim Cattrall, que interpretaba a Samantha Jones, no participa en el proyecto.

“Sex and the city” fue uno de los primeros éxitos comerciales de HBO, se emitió a lo largo de seis temporadas entre 1998 y 2004 y estaba basada en una columna real. Sí, existía una Carrie Bradshaw que escribía un texto semanal llamado exactamente igual que la serie.

“Sex and the city” se publicó por primera vez en el The New York Observer el 28 de noviembre de 1994 y estaba firmado por Candance Bushnell, de 35 años.

“Cuando me dieron la columna, sentí ‘sé qué hacer con esto’”, dijo Bushnell al New York Times con motivo del vigésimo aniversario de la serie.

“Si me hubieran dado la columna cuando tenía 28, no habría sabido por dónde cogerla”, añadió.

La autora dijo a The Guardian ese mismo año que, cuando comenzó a escribirla, no había mucho interés por la realidad cultural de las mujeres solteras en la ciudad.

“La gente realmente sentía que si una mujer estaba soltera a sus treinta años había algo mal en ella”, aseguró.

En la página web del The New York Observer aún es posible encontrar algunos de los artículos originales, como el titulado “Loving Mr. Big”, publicado en abril de 1995 y en el que la autora comienza hablando de una productora de cine a la que, dice, llamará Samantha Jones.

DEL PERIÓDICO AL LIBRO Y DEL LIBRO A LA PANTALLA

En 1996, las columnas se recogieron en un libro homónimo. Darren Star, productor de series como “Melrose Place”, que había conocido a Bushnell cuando ella lo entrevistó para Vogue, supo ver el potencial de aquellas historias.

Dos años más tarde, comenzó la emisión de la primera temporada. La cadena ABC también se interesó por la ficción en un principio, pero finalmente fue HBO quien se hizo con ella.

Las vivencias de aquellas cuatro amigas, Samantha, Carrie, Miranda y Charlotte, que bebían cócteles cosmopolitan, salían de fiesta y hablaban de sexo, tenían cada vez más seguidores.

“Hay mucha presión para representar a los hombres de una manera que encaje en la narrativa de amor y relaciones de Cenicienta”, dijo la autora al New York Times.

“Y ’Sex and the city’ fue una oportunidad para mostrar una realidad sobre los hombres y las relaciones que no se me permitió hacer en las revistas de mujeres y, hasta cierto punto, en editoriales de mujeres”, añadió.

Sarah Jessica Parker reveló para un libro, del que The Hollywood Reporter se hizo eco, que no tuvo un flechazo con el personaje de Carrie, sino que su agente, Kevin Huvane, tuvo que convencerla para interpretarla.

“Conocí a Darren y yo tenía un par de preocupaciones”, relató Parker. Las inquietudes que menciona estaban relacionadas con algunos aspectos del lenguaje y su negativa a hacer desnudos. “Pero Kevin continuó diciéndome: ‘Esto es diferente. Nunca has hecho algo así”, añadió.

Finalmente, en el contrato se incluyó una cláusula de no desnudez y el resto es historia.

UN FINAL DIFERENTE

En el final de la serie, Carrie y Mr. Big, acababan juntos, algo que ni Bushnell ni Star tenían en mente.

“Creo que en la vida real Carrie y Big no hubieran terminado juntos”, dijo la autora a The Guardian.Pero llegó un momento en el que la serie se había convertido en algo grande y la pareja, en icónica.

“Se volvió parte del léxico. Y cuando la gente está haciendo un programa de televisión, es el mundo del espectáculo, no del arte, así es que, llegados a aquel punto, era para la audiencia y no estábamos pensando en cuál sería el impacto diez años después”.

Star, por su parte, dijo que creía que la serie había traicionado de qué se trataba, que era de que las mujeres no encuentran la felicidad en el matrimonio.

“No es que no puedan. Pero el programa inicialmente se salía del guión de las comedias románticas anteriores”, contó Star en una entrevista. “Al final, se convirtió en una comedia romántica tradicional”.

A la serie le siguieron sendas películas en 2008 y 2010. La tercera película fue cancelada antes de que comenzara la producción.

En esa ocasión, Kim Cattrall también optó por no participar en el proyecto. Más tarde, en un programa británico, la actriz dijo que no estaba entre sus planes volver a meterse en la piel de las relaciones públicas.

También se ha hablado sobre la mala relación que existía entre ella y el resto de las protagonistas, especialmente, con Sarah Jessica Parker.

Ahora, la continuación de la serie se centrará en las vidas y la amistad de Carrie, encarnada por Parker; Miranda, interpretada por Cynthia Nixon, y Charlotte, a la que da vida Kristin Davis, a los cincuenta.

Fuente: https://listindiario.com/entretenimiento/2021/01/31/654919/sex-and-the-city-el-origen-de-la-serie-que-regresa

SANTO DOMINGO.- La primera imagen que aparece en ‘Fragmentos de mujer’, la película de Kornél Mundruczó estrenada en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia, me conmueve en algunos momentos cuando dialoga de manera muy intimista con tópicos como el duelo, la pérdida y el dolor reprimido de una mujer, los cuales son capturados con una gran actuación de Vanessa Kirby que me hace pensar de inmediato que su estrella en el paseo de la fama de Hollywood está asegurada.

Hace menos de un año, ya me daba la impresión de que ella tenía un potencial oculto como actriz. Y tal parece que no me equivocaba. En Venecia, Kirby ganó la Copa Volpi a la Mejor Actriz. Muchos coinciden en que es su mejor actuación. Yo estoy de acuerdo.

Cuentan que la historia del personaje que interpreta Kirby en parte fue escrito a partir de las experiencias de la guionista, Kata Wéber, la esposa del director, quien escribió el guion basándose en el duro episodio de haber perdido a su hijo por causa de un embarazo frustrado.

Esos componentes, distribuidos en una sólida puesta en escena, hacen que la narración sea orgánica y bien escueta desarrollando el melodrama de una mujer que está a punto de dar a luz.

La trama comienza presentando a Sean Carson (Shia LaBeouf), un hombre que está muy entusiasmado porque su pareja, Martha Weiss (Vanessa Kirby), se encuentra en sus últimas semanas de embarazo y espera recibir una niña. Ambos son una pareja joven y tienen mucho que aprender.

Él es un obrero de cuello azul que trabaja en la construcción de un puente; ella en cambio es una ejecutiva de una empresa. No parecen hechos el uno para el otro, pero demuestran un apego incondicional por la bebé que esperan. En la casa, esperan detenidamente el día del parto. Pero una tragedia desmantela sus deseos y descompone su relación de pareja.

La actuación de Vanessa Kirby es, si no me equivoco, lo que sostiene la dimensión dramática de la película cuando comunica la carga emocional de Martha. Su autenticidad me resulta emotiva. No hay una sola escena en la que su desgracia no me parezca natural cuando camina, llora, conversa, mira con los enormes ojos azules y grita del dolor.

Su compromiso físico me deja sin palabras en la escena del parto. Se siente muy creíble. Es capaz de proyectar simultáneamente la decepción, la frustración silenciosa y la angustia del personaje. Me atrevo a decir que es la mejor interpretación en su corta trayectoria como actriz.

Ese personaje que interpreta Kirby le sirve a Mundruczó para construir un comentario muy discreto sobre la pena, visible en la desintegración de la pareja y el desconsuelo de la protagonista, pero al observar detenidamente me encuentro con otros textos relacionados a la fertilidad y la fuerza de concepción de la mujer, como si se tratara de un árbol que pone sus frutos durante varias temporadas.

Aunque percibo una caída minúscula de ritmo en la segunda mitad y de un tono moralista algo elemental, la película mantiene mi sensibilidad durante las dos horas en la que esclarece su relato íntimo y desgarrador sobre una mujer que se superpone a lo peor. No solo por el desempeño actoral, sino, además, por esa narración densa que encubre, debajo de la simplicidad, significados diversos sobre el verdadero poder de una mujer: crear vida.

Mis ojos amenazan con humedecer mi cara cuando escucho la música melancólica y empática del gran Howard Shore. Pero se secan cuando veo el final feliz y esperanzador. Al menos eso no me quita el interés. Es un buen drama de Mundruczó.

Ficha técnica

Año: 2020

Duración: 2 hr 08 min

País: Estados Unidos

Director: Kornél Mundruczó

Guión: Kata Wéber

Música: Howard Shore

Fotografía: Benjamin Loeb

Reparto: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn

Calificación: 7/10

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